屏東縣立美術館以屏東菸葉廠14號倉庫為基礎，在工業遺產的肌理之上重生，延續舊有結構的時代記憶，並注入當代藝術的想像。建築引入自然天光，使光影隨時間流轉於室內，讓時間成為空間的一部分；局部樓板挑空，串聯上下樓層，打造連續而流動的空間體驗。建築立面結合彩色管線與玻璃元素，為理性而節制的工業語彙注入鮮明節奏，形塑一座承載歷史、回應當代的藝術新地標。 館內空間規劃完善，以中央廊道為動線主軸，串聯展覽空間、開放階梯區、備展空間及多功能空間等公共設施，未來將與鄰近的典藏中心共同推動展覽、典藏、教育與研究工作，在屏菸1936文化基地內，以前瞻且多元的藝術視角，逐步累積屏東深厚的文化底蘊。

屏東縣立美術館

「版同造化：陳國展特展」

大湧崁岸

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歡迎來到屏東縣立美術館，這裡原本是日本統治時期建造的菸葉廠。屏東菸葉廠，曾經是南方土地記憶中生產與勞動的象徵，當它轉化為美術館的此刻，空間從燃燒的煙葉走向盛放的花朵，象徵生命、創造與再生，請跟著我們一同見證「從煙霧到花開：藝術的再生之地」。開館首檔特展「當繁花盛開-日本當代藝術展」藉由花的隱喻，集聚十六位日本藝術家的作品，時間橫跨日本戰後到當代，包含書道、繪畫、攝影、雕塑、裝置與流行視覺等領域，他們的作品宛如灰燼中萌芽的野花，不斷在破壞與重生之間，綻放人性的多樣姿態，有的濃烈、有的靜謐、有的深邃如夢。透過這些創作，我們得以窺見日本藝術從內在到感官、從個人到群體之間的流動，並與南方的自然、情感與時間產生共鳴。歡迎來到屏東縣立美術館，這裡原本是日本統治時期建造的菸葉廠。屏東菸葉廠，曾經是南方土地記憶中生產與勞動的象徵，當它轉化為美術館的此刻，空間從燃燒的煙葉走向盛放的花朵，象徵生命、創造與再生，請跟著我們一同見證「從煙霧到花開：藝術的再生之地」。開館首檔特展「當繁花盛開-日本當代藝術展」藉由花的隱喻，集聚十六位日本藝術家的作品，時間橫跨日本戰後到當代，包含書道、繪畫、攝影、雕塑、裝置與流行視覺等領域，他們的作品宛如灰燼中萌芽的野花，不斷在破壞與重生之間，綻放人性的多樣姿態，有的濃烈、有的靜謐、有的深邃如夢。透過這些創作，我們得以窺見日本藝術從內在到感官、從個人到群體之間的流動，並與南方的自然、情感與時間產生共鳴。

總說

藝術家：井上有一 井上有一曾歷經1945年的東京大空襲，這幅作品是在空襲三十餘年後，根據親身經歷所創作的。井上有一當時擔任學校教師，目睹許多人喪生於空襲或戰火中，遍地荒涼，他所任教的橫川國民學校亦滿是遺體。井上有一將這份悲憤與哀傷凝聚於筆墨之中，我們可見整幅作品幾乎被文字佈滿，筆觸狂亂參差，深刻描寫了戰爭的殘酷與對生命的深切感受。 在井上有一的作品中，墨色的濃淡、筆勢的疾徐都蘊含著身體性與即興感，既傳統又現代，與西方抽象表現主義形成跨文化的對話。他的創作突破了書法的形式限制，對日本戰後書法與當代藝術均產生深遠影響。

噫横川国民學校

&nbsp;藝術家：井上有一　 井上有一終其一生秉持「書即生命」的創作理念，即使到了晚年疾病纏身，體力再也無法負荷毛筆書寫，他仍未放棄對「書寫」的執著，發展出以鉛筆和炭棒書寫詩文的「詞書」。 這件作品正是井上有一的晚年風格，內容取材自宮澤賢治童話《夜鷹之星》的一段文字。作品使用炭精筆書寫，筆觸簡潔而內斂，墨色細膩，將故事中夜鷹墜落或飛升，以及嘴角微笑的孤寂情感轉化為抽象化的文字筆觸，呈現文字、書法與文學的跨界對話，兼具視覺美感與精神深度。 井上有一勇於突破的精神，打破了人們對傳統書法的認知與理解，將書法推向行為藝術與抽象表現主義的領域，建立起獨樹一幟的風格。

宮澤賢治童話-夜鷹之星

藝術家：井上有一 井上有一是將書法推向抽象藝術的代表人物，他拒絕將書法視為單純的文字書寫，而是把筆劃、墨韻作為一種純粹的視覺表現。「書即生命」是他的核心理念，透過大膽豪放的筆觸、厚重而富有韻律感的線條，以及極簡卻張力十足的構圖，傳達出文字之外的能量與呼吸，展現強烈的生命力與精神意志。 眼前的作品以單一「上」字呈現，這是井上有一晚年的代表作，也是他大型正式作品中的最後一件。簡單的筆劃帶出線條的沉著有力，而大片的留白營造出空間張力與靜謐氛圍。相較於作者早年的奔放感性，此件作品更為內斂，且當書寫能量轉化為呼吸與空白，「上」不僅是一個字，更象徵生命的凝視與終結前的沉靜。<h4> </h4><h4> </h4>

藝術家：白髮一雄 1950年代，戰後的日本崛起一股具體派運動，白髮一雄即是這項畫派的重要人物，他將身體本身作為創作的工具，用赤腳沾取顏料，在平鋪的畫布上奔走，或借助一條懸吊而下的繩索，一邊抓著繩索控制身體，一邊以腳劃開顏料，讓筆觸、顏料與動作形成直接互動，強調創作過程本身的儀式性與能量釋放。 作品《因陀羅》取名自佛教與印度神話中的天帝，象徵強大能量與守護之力。藝術家以他標誌性的「行動繪畫」，以腳層層堆疊厚重顏料，創造出豪放、充滿動能與即興感的畫面。此件作品凝聚身體行動、宗教信仰與東方哲思，展現白髮一雄對藝術實驗的極致探索。

因陀羅

藝術家：鹽田千春 藝術家鹽田千春以編織大量線條的裝置創作聞名，她的作品常以紅、黑、白的線延展至整個展場，將日常物件，例如窗戶、床、行李箱或船隻包裹其中，營造如網絡般的空間場域。而這些線條不僅象徵人與人之間的連結，也映照時間的流逝與存在的脆弱，彷彿在捕捉記憶、夢境與生命軌跡。鹽田千春的藝術深受個人生命經驗影響，成為探索「記憶」與「存在」議題的代表性藝術家之一。 本次展出2件生存的狀態（連身裙），紅線與黑線的作品分別創作於2019及2022年，在數以萬計的紅線、黑線交織中，隱約可見一件連身裙懸吊在裏頭，線的顏色象徵血液、宇宙與永恆，詩意的氛圍彷彿帶領我們進入真實與無形之間的感知空間。

生存的狀態 （連身裙）

藝術家：草間彌生 在您眼前的大型立體裝置，是藝術家草間彌生的「波點」系列作品。草間彌生以「波點」和「無限鏡屋」享譽國際，她的創作橫跨繪畫、雕塑、裝置與行為藝術，核心圍繞著「無限」與「自我消融」的觀念。 此件作品採用不鏽鋼製作而成，呈現盛開的花朵造型，色彩鮮明、富有律動感。作品延續藝術家對自然、生命與無限的關注，透過反覆的造型與鮮豔色彩，使我們感受到生命的循環與花朵盛放當下的力量。 草間彌生的藝術也反映了她的內在世界，她將童年幻視經驗與精神狀態轉化為反覆、繁複的視覺語言形式，具療癒與冥想性，也挑戰觀眾對現實與虛無的感知，形成獨樹一幟的前衛藝術風格。

花朵正在綻放

藝術家：草間彌生 草間彌生的創作橫跨繪畫、雕塑、裝置與行為藝術，核心圍繞著不斷重複的「無限」，及「自我消融」兩大觀念，以強烈的視覺語言挑戰觀眾的既有認知。 這兩份展出的報紙，是《裸體、愛、性與美的狂歡》的複印件，原本出版於1969年、而後又再版，記錄了1960年代草間彌生在紐約發起的革命性藝術運動，她在參與者的裸體上繪製圓點，挑戰身份、性別與身體界限，激發了當代藝術領域的創作思辨，為社會大眾帶來感官衝擊。人體就像她創作的南瓜、花朵與瓶器，是承載圓點與符號的容器，在不斷重複與擴散中，模糊了界線。

裸體、愛、性與美的狂歡(複印件)

藝術家：草間彌生 這13幅以麥克筆繪製，搭配相片拼貼的系列作品，是草間彌生為人文色彩濃厚的英國時尚雜誌AnOther Magazine所創作的。她以細膩手法呈現自身的故事，紀錄自1950年代以來的創作實踐與心路歷程。她用圖像、材質和色彩，呈現對自身經驗、藝術語言及內心世界的探索。每件作品既源於日常與記憶，也體現她對形式與敘事的不斷嘗試，形塑出鮮明的個人風格，並展露其持續不斷的創作能量。 草間彌生的藝術融合童年幻視經驗與精神狀態，將內在世界轉化為強烈的視覺語言。她以不斷重複、層層堆疊的形式創造出一種秩序，作品既讓人感到平靜與沉澱，也挑戰我們對現實與虛無的感受，發展出十分鮮明的前衛風格。

無題

藝術家 ：　草間彌生 草間彌生是日本當代極具代表性的藝術家之一，以標誌性的「波點」圖樣與作品《無限鏡屋》享譽國際。波點在她的作品中象徵宇宙微粒與生命循環，既是自我存在的投射，也是與宇宙連結的符號。 這系列作品以器皿形式呈現，器身內外佈滿各種草間彌生的經典元素──波點、線條、南瓜、眼睛、女人、植物等，傳達出藝術家對無限、重複性與個人內心世界的持續關注；透過細膩的工藝表現，她將內心的心理狀態轉化為鮮明的視覺形式與空間感受，引領觀者感受當代藝術獨特而迷人的魅力。

花瓶

藝術家：荒木經惟 藝術家荒木經惟自幼受父親的影響而接觸攝影，他專注於人像、花卉與情色等題材，以挑釁、具爭議性的風格聞名。他的作品經常探索生命、死亡與性愛等深刻議題，並融合希臘神話中的愛神與死亡之神，創造出「Erotos」的概念。此外，荒木也關注都市生活與人類情感，用獨特的視角捕捉日常中的微妙瞬間，展現瞬間之美。 眼前的攝影作品延續了他的藝術理念，荒木經惟透過精緻構圖與光影表現，將個人情感、感官經驗與都市生命融合，呈現出獨特的攝影語彙與心理深度。他的作品在攝影界廣受讚譽，也因內容大膽而引發討論與爭議，是日本當代攝影的重要代表。

樂園

藝術家：荒木經惟 荒木經惟一生以個人化的攝影語彙探索生死、愛與慾的交織，在攝影界廣受讚譽與討論。1971年，荒木經惟與妻子青木陽子到日本各地蜜月旅行，期間拍攝了一系列照片，還自費出版了攝影集《感傷之旅》。這是他其中一個藝術概念「私寫真」的呈現，將自我生活、愛情與婚姻融入攝影創作，使影像兼具私密性與詩意。 荒木經惟曾誓言：「《感傷之旅》是我的愛，也是作為攝影師的決心。我拍攝自己的新婚旅行，所以是真實的攝影。」此系列真實捕捉了生活與情感的瞬間，標誌著藝術家從自敘式的攝影出發，開啟藝術創作的旅程，也奠定他在日本戰後攝影史的重要地位。

感傷之旅II－沖繩

藝術家：蜷川實花​ 蜷川實花是攝影師，也跨足導演、時尚、廣告等領域，不斷探索影像在當代文化中的多重可能，被視為日本最具代表性的影像創作者之一。其拍攝題材涵蓋花卉、金魚、女性肖像，透過飽和色調與華麗構圖，將日常事物轉化為夢境般的場景，兼容對生命的絢爛與脆弱的感受，引領觀者游走於感官愉悅與心理暗示之間。 作品《櫻》拍攝於2011年，藝術家自述她就像被魅惑一般，在一周內拍了2500張照片，捕捉吉野櫻、八重櫻、垂櫻、桃花等，這些年復一年、在春日盛開之花。這光景如此耀眼、永恆，展現自然之美與時間流轉的感受，同時也象徵藝術家面對現實、重整自我，迎接新日常的起點。

藝術家：奈良美智 《森林之子/奶油般的雪》這件雕塑作品，透過童真視角呈現奶油般的覆雪，以及埋藏其下的孩童容顏，散發出柔和的希望感。作品也如一棵直上雲霄的松樹，象徵堅韌與生機。奈良美智深受2011年日本大地震的震撼，在到災區探望後，有長達半年的時間都無法進行任何創作。此後，他藉由這個系列作品傳達祈願，提醒人們感恩並守護自然所賦予的珍貴資源。 奈良美智善於運用簡明手法，傳達矛盾、複雜的角色情緒，引發共鳴。他的作品不僅表現童真，也揭示人性深處的脆弱，將純真與反叛巧妙融合，形成獨特的藝術語彙，在國際藝術舞台上享有廣泛影響力與高度評價。

森林之子/奶油般的雪

藝術家：奈良美智 奈良美智是當代日本最受矚目的藝術家之一，以創作融合童趣與叛逆的角色形象聞名。他的作品深受童年漫畫與孤獨感影響，經常描繪孩童或動物角色，面部表情誇張而富情感，呈現內在孤獨、自我反思以及叛逆心理。 雕塑作品《泡芙》以清晰線條勾勒童年的純真魅力，其靈感來自人氣點心奶油鬆餅。這個小女孩外型輪廓甜美柔軟，雙眼大而明亮，卻不透露內心思緒，因此富有神秘感與靈氣。作品透過簡潔的造型表現童年的情感張力，也挑戰成年人對孩童的單一視角，讓各年齡層的焦慮與內在情感活動都能被觀眾體察，可以說是奈良美智典型的代表作之一。

泡芙

藝術家：奈良美智 奈良美智是當代日本藝壇具有國際影響力的藝術家，以創作融合童趣與叛逆的角色形象聞名，他作品中童稚的表情能喚起成人情感，可愛外觀中蘊含黑色幽默，明確的文化符碼交織著個人記憶。眼前這幅《心碎地坐在板凳上》就呈現了他典型的視覺張力。作品中小女孩的眼睛微瞇，橄欖色的大眼瞳流露出與孩童狀態不搭調的威脅感，紅色緊抿的嘴唇，傳達出她心底的焦慮或憤怒。 她被描繪在木板上，看起來既天真又帶有暴力氣息，既順從又難以駕馭。這些特質彰顯了質疑規則與渴望自由的青年所具備的變革潛能，使觀者感受到純真與反叛同存一體的張力與魅力。

心碎地坐在板凳上

藝術家：空山基 空山基是日本知名藝術家，擅長描繪夢幻的人物與場景，作品融合神秘與奇幻元素。其創作深受東方哲學的內省思維及西方超現實主義的影響，透過繪畫、版畫與多媒材創作，探索人類存在、自然與科技之間的關係。他富有幻想感的視覺語言，成為日本當代藝術中結合哲思與視覺奇想的重要代表。 這件雕塑作品《玫瑰金暴龍》融合史前巨獸的力量與他標誌性的金屬超寫實風格，呈現極度精緻的細節，並善用金屬冷冽的光澤，營造出強烈的未來感。作為前衛與超現實的代表作，它展現了藝術家對材質、造型及技術的高度掌控，兼具視覺衝擊力與雕塑魅力。

暴龍 玫瑰金

藝術家：村上隆 日本藝術家村上隆以提出「超扁平」理論聞名，將日本傳統繪畫美學與漫畫、動畫以及潮流文化融合，形成兼具童趣與批判的當代語彙。作品色彩鮮明、呈現極扁平的二維空間，花朵、笑臉、骷髏等圖像反覆出現，看似歡愉，也隱含虛無與不安。 《花親子》是藝術家以最具代表性的「微笑花」所創作的雕塑作品，呈現大花牽小花、大花手裡還有捧花的溫馨場景。「微笑花」的概念源於第二次世界大戰中，美國向日本投擲原子彈的傷痛記憶，村上隆自幼聽到這段歷史，啟發他設計出即使面對痛苦，也微笑以對的太陽花。而本次展出的作品形象誕生於疫情期間，象徵在困境中大人與孩子相互扶持、共同前行。

花親子

藝術家：村上隆 《向法蘭西斯．培根致敬》為日本藝術家村上隆於2016年創作的限量版畫系列，這個系列取材自英國畫家培根標誌性的劇場式構圖，作品以金銀箔背景搭配藝術家所創的卡通角色「DOB君」，將原本培根筆下壓抑扭曲、風格強烈的人物與場景轉化為繽紛卻矛盾的視覺語言。此系列既體現對前輩的致意，也展現村上隆將動漫語彙融入西方繪畫傳統的嘗試。 村上隆以鮮豔華麗的視覺語彙揭示消費社會與次文化的精神面貌，並持續挑戰藝術與商業之間的界線。他的創作實踐橫跨繪畫、雕塑、時尚與娛樂等領域，使藝術得以深入大眾視野，成為推動當代日本藝術全球化的重要代表。

向法蘭西斯培根致敬

&nbsp;藝術家：天野喜孝 天野喜孝是日本著名畫家、插畫家與人物設計師，早期投入動畫製作，經典動畫「科學小飛俠」的人物設計便是出自天野喜孝之手。他的創作涵蓋電玩、書籍封面、舞台劇、戲劇與電影等，以融合復古美學與幻想風格聞名。 此件作品以汽車漆呈現於鋁板上，延續天野喜孝流暢細緻的線條與透明而輕盈的色彩層次。畫中人物以俯衝姿態，像是要劃破空間，朝向觀者而來，白與藍的大面積色塊形成鮮明動態感，展現藝術家獨特的「動態凝固」語彙。作品在具象角色與抽象流線間取得平衡，使人物彷彿漂浮於無限延展的曖昧空間中，營造速度與靜謐並存的氛圍，引導觀者進入介於現實與幻想之間的視覺境地。

降落

藝術家：名和晃平 藝術家名和晃平的創作結合雕塑、裝置、數位科技與建築思維，探索感知、物質與生命的多重層面。他透過玻璃、樹脂、泡沫、金屬等多元材質，來實驗光影、探索物質表面與內部的微妙界線，展現精緻而又陌生、異樣的視覺效果。 本次展出的3件豹、鹿、狼作品是他的代表作之一，作品名稱PixCell由像素Pixel與細胞Cell的英文組合而成。藝術家以動物的標本為基礎，將其全身覆蓋玻璃珠、膠水、棱鏡、石膏等材料，使他們的輪廓扭曲、放大，呈現介於現實與虛擬之間的視覺效果。藝術家實驗性的創作方式突破了傳統雕塑直接接觸材料的限制，重新定義當代雕塑的可能性。

像素細胞-模型-豹  像素細胞-黇鹿  像素細胞-郊狼#7

藝術家：名和晃平 這件以鴕鳥標本為基礎的作品延續名和晃平對動物標本及物體的視覺探索，藝術家透過棱鏡覆蓋在標本表面，使光線在折射與反射中改變觀者的視覺感知。稜鏡薄片可以將光線分成兩個方向，隨著觀看角度的改變，動物輪廓因此被扭曲、放大，呈現如同像素化的表面結構。這種形式強化了光、空間與影像的互動，展現藝術家對材料特性、光學效果及感知經驗的實驗精神，也反映對於自然能量、生命律動與存在狀態的探問。 名和晃平擅長使用複合媒材來創作，將傳統雕塑延伸至數位與空間裝置領域，營造出沉浸而感性的感知經驗。他的藝術語彙跨越物質與觀念，開發當代藝術在科技、自然與哲思之間的可能性。

像素細胞【鴕鳥#1】

藝術家：小松美羽 在這件名為《夜光神獸》的作品中，藝術家小松美羽以象徵靈魂之窗的「眼睛」為核心元素，透過色彩表現神獸與人類的情緒交流。藍色與紅色分別呈現不同情感，使畫面情緒豐富，充滿層次感。 小松美羽從年幼時期就對看不見的世界有所著迷，並且因為在富有自然的環境下成長，親近各式各樣的生物，塑造了萬物有靈丶眾生平等的生死觀，並提出「大和諧」的創作理念，強調所有生命在靈魂層面都是平等共存，作品中常瀰漫鮮豔色彩與奔放能量。 本幅作品彷彿將觀者的靈魂引入神獸棲息的神秘世界，呈現超越宗教的普遍神聖感與對生命、靈魂的深刻省思。

夜光神獸

藝術家：小松美羽 小松美羽以充滿靈性與神秘色彩的繪畫風格聞名，她指出透過專注的祈禱、冥想，便能建立起和宇宙的連結，意氣昂揚的神獸就會出現在腦海當中。她的創作多從日本傳統神話、宗教符號及自然意象汲取靈感，並融入當代視覺語彙，形成既古典又前衛的藝術語境。她的繪畫在傳統與現代、宗教與日常之間架起橋樑，展現對宇宙、自然與人類精神的深層探問。 《非禮勿言》以日本神獸「狛犬」為造型，祂們以肢體遮擋口部的姿態，象徵對負面訊息與惡意言語的自我節制，提醒觀者以善意回應世界，並保有內在的清明與選擇。

非禮勿言-山犬-

藝術家：高野綾 高野綾是一名活躍於國際的日本跨領域藝術家，以細膩筆觸與獨特的夢幻視覺聞名。她的繪畫主題多描繪少男少女與日常場景，作品受傳統日本浮世繪、裝飾藝術繪畫與村上隆的「超扁平」美學影響，也展現對宇宙、歷史與人類未來的哲思。 在這件作品中，可見少女身著傳統和服，乘坐於人力車裡，背景與兩側則有橫濱球場等現代城市建築，將橫濱的現代場景與鐮倉的傳統歷史意象巧妙地並置在同一個畫面中。少女穿梭於古今之間，讓我們難以判斷她究竟是著古裝的現代人，還是時空旅者的夢境記憶。作品模糊了現代與過去、現實與夢境的界線，也呈現藝術家對歷史、文化與身份認同的多層想像。

橫濱→鎌倉

藝術家：高野綾 本件作品以臺灣元素為創作主題，是藝術家高野綾為參展2023年台北當代藝術博覽會所創作的作品，展現藝術家對臺灣文化的詩意詮釋。畫面中，臺灣特有圖案與符號在鮮豔的藍色背景上漂浮，營造出夢幻的視覺效果，呼應她將日本傳統美學與當代視覺語彙融合的創作風格。 高野綾曾擔任日本當代藝術家村上隆的助手，風格受到日本浮世繪與超扁平美學的影響，她筆下的人物常常介於童年和成年之間，帶著純真又神秘的氣質。他們既流露出脆弱的感性層面，也擁有突破現實框架的精神力量。反映出藝術家希望從作品中發現自我、追尋自由，並實現某種形式的內在超越。

臺灣好料

藝術家 ：中村萌 中村萌是活躍於日本當代藝術界的雕塑家，以木雕創作最具代表性。她以圓潤而細膩的造型語彙，塑造帶有孩童面貌的角色，既天真無邪，又流露出神祕與不可測的氣息。她的雕塑在柔和線條與木材質感中蘊含深厚的情感張力，使觀者聯想到童年的記憶、夢境與潛藏的情感世界。 眼前的上彩木雕作品，將孩童的純真意象與自然元素結合。雕刻中融入生長的角、枝芽、毛髮及雲霧，這個介於動物、植物甚至自然天氣之間的形象，給予我們一種神話般的故事氛圍。作品雖簡樸安靜，卻深刻傳達對自然純真與單純美好的嚮往，反映當代社會中人們對童真和自然的情感寄託與共鳴。

就這樣落下

藝術家：六角彩子 藝術家六角彩子從未接受正規的藝術教育，但她發展出直接用手指塗抹、作畫的獨特技法廣為人知。她習慣以鮮豔飽和的色彩在紙張、紙箱與大型畫布上揮灑，營造出既自由又充滿動感的畫面。作品中經常出現天真無邪的少女形象，與花朵、星辰、動物等元素交織，散發童趣與幻想氣息。 這幅繽紛鮮豔的作品，構圖和色彩運用，致敬文藝復興時期大師波提切利的畫作《春》，但以現代視角重新詮釋。三位身穿綠、粉、白裙的女孩，置於花卉之中，肢體誇張、表情豐富，展現孩童的天真與活潑。大膽無畏的筆觸，則灌注了自然的野性與奔放的生命力，使人感覺到萬物蓬勃、蓄勢待發的生機。

無題.

藝術家：六角彩子 這件木屋是六角彩子將她標誌性的視覺語言，從畫布延伸至立體空間的裝置作品。以尖角屋頂及欄桿組成的立體空間，彷彿成為藝術家揮灑鮮豔色彩的遊樂場，六角彩子用她獨特的手塗方式，將壓克力顏料塗抹在木屋內外，營造出童趣又充滿自由創造力的想像世界。 六角彩子的創作展現即興與直覺的能量，捕捉孩童視角下的天真純粹。她曾自述：「作畫時，我會努力回想童年時的感受，每個人小時候都有一段沉迷於繪畫的經驗。我想，或許我的作品能幫助人們回想起他們的小時候。」 如此鮮活的色彩與奔放姿態，使藝術家在國際當代藝術舞台上，建立起鮮明而獨特的視覺語彙。

無題(木屋)

藝術家：江上越 江上越是日本年輕一代備受矚目的藝術家，以「溝通與誤解」為創作核心，將東方水墨的筆觸融入西方當代繪畫的結構與觀念中，形成兼具抽象與具象的獨特語言。她的作品常可見暈染、流動的色彩，筆觸看似隨意卻蘊含節奏感，傳達出語言交流中模糊而不確定的狀態。這種探索介於理解與錯位之間的「流動意象」，使她的藝術顯得格外鮮明而富有啟發性。 《生命線》以線條為主要表現元素，它們既分開又連結，呈現出生命之間，彼此能量獨立又流動、循環的軌跡，並透過藝術家肢體及畫筆的移動，捕捉呼吸、脈動與情感的變幻，展現對生命能量的細膩觀察、詮釋與體悟。

生命線

屏東位於台灣的最南端，北靠大武山，南是台灣唯一面臨太平洋、巴士海峽與台灣海峽之處。黑潮自巴士海峽北上，於鵝鑾鼻分流，一流向東而上太平洋西境，一流往西入台灣海峽。 「大湧崁岸」取意自黑潮的洶湧拍岸。其「崁」（khàm）有覆蓋、強力衝擊之意，象徵海浪不斷覆湧的力道。這不僅描繪自然的地理樣貌，更隱喻藝術浪潮的持續推進—它既承載歷史的沉積，也在山海往復間開展著未來的可能。 黑潮的湧流，在陽光普照炙熱的南國，拍岸撞擊出山海土地緊密相依的風土人情。海湧拍打著海岸，溫暖的海流帶來了豐富的漁產，滋養了沿岸的住民。快速的海流，推送著人們往來，山與海的人在此交會，長出屏東獨樹一格的種族、文化與歷史。在文字到達前排灣、馬卡道人已在山海之間，而漢人、客家人隨著洋流上了岸，種了稻米，拓植了埔姜，土地交響了不同的語調，走踏著穿插無相仝的人。隨著時間的過去在植物之間，長出了無相仝的建築。山風與海風吹奏出南風聲響的思想起，在屏東藝術文化的氣息和多層次的文化景觀間吹拂。 「大湧崁岸」一展，述說著那些海山來的人藝術文化的種子在洘流、南流之間被沖上岸，在時間縫隙之間盤根，發出各自互異的藝術枝枒。

總說.

Pingtung lies at the southernmost tip of Taiwan—backed by Mount Dawu to the north, and to the south by the island’s only stretch of coastline that faces the Pacific Ocean, the Bashi Channel, and the Taiwan Strait all at once. From the Bashi Channel, the Kuroshio Current flows northward and splits at Cape Eluanbi: one branch turns eastward along the western edge of the Pacific, the other sweeps west into the Taiwan Strait. The title evokes the forceful crash of the Kuroshio against the land. The character “崁” (khàm) conveys a sense of engulfing force and powerful impact, suggesting the ceaseless rise and fall of waves upon the shore. This imagery not only illustrates the region’s geographical contours but also serves as a metaphor for an ever-advancing tide of art—carrying the sediment of history while, between mountain and sea, continuously opening new possibilities for the future. Beneath the blazing southern sun, the surging Kuroshio crashes against the shore, shaping a distinctive local milieu defined by its close interconnection of mountains, sea, and land. As the waves pound the coast and warm currents bring abundant catch from the sea, the coastal dwellers thrive. The swift ow carries people to and from the shore; here, those from the mountains and those of the sea meet, giving birth to Pingtung’s unique tapestry of ethnicities, cultures, and histories. Long before the arrival of written language, the Paiwan and Makatao peoples lived between the mountains and the sea. Later, Han and Hakka settlers followed the ocean currents to these shores, cultivating rice and planting shrubs such as the Chinese chaste tree. The land resounded with many tongues, trodden by people of many origins. Over time, amidst vegetation, diverse architectures took root and nourished. Mountain winds and sea breezes carried the southern air, and together they played a song of longing—a windborne refrain drifting through Pingtung’s cultural and artistic landscapes. traces how artistic and cultural “seeds,” carried by those who journeyed from the mountains and the sea, were brought ashore with the ebb and ow, took root in the crevices of time, and grew into diverse artistic expressions.

In short

藝術家：黃進龍 黃進龍，自幼成長於屏東東港漁村，對港邊景色情感深厚，因此漁船成為他創作中最具代表性的題材。本作描繪東港漁船停泊的景象，平靜海面波光粼粼，前景三艘漁船整齊排列，成為畫面主要視覺焦點。 黃進龍以寫實手法細膩描繪船體結構，筆觸沉穩有力，船頭隱約可見船名；背景建築則模糊化處理，使觀者目光集中於漁船。整體色調以灰藍色為主，天空抹上淡淡霞光，營造寧靜氛圍；船身則點綴鮮明的紅、綠色塊與線條，與背景形成強烈對比。黃進龍透過明快而有節奏的筆觸，表現微光映照海面的光影變化，使畫面在寫實之中流露詩意與韻律感。

《東港漁船》

Huang Jin-Lung, who grew up in Donggang fishing village in Pingtung, has a deep affection for the harbor scenery, so fishing boats have become the most representative subject-matter in his works. This painting depicts the scene of fishing boats moored in Donggang, with the calm sea shimmering and three fishing boats neatly lined up in the foreground, becoming the main visual focus of the picture. Huang Jin-Lung meticulously depicts the boats’ structures with a realistic style and steady, powerful brushstrokes. The boats’ names are faintly visible on each bow, and the buildings in the background are blurred, so as to draw the viewer’s attention to the fishing boats. The overall color scheme is predominantly gray-blue, with a soft glow in the sky creating a tranquil atmosphere; the boats’ hulls are adorned with bright red and green blocks and lines, forming a strong contrast with the background. Huang Jin-Lung uses brisk and rhythmic brushstrokes to depict the changing light and shadow on the sea surface, making the realistic composition flow with poetic and rhythmic feeling.

Fishing Boats in Donggang

藝術家：鄭勝揚 鄭勝揚生於屏東萬丹，早期擅長水墨，作品多取材自故鄉的漁港景致、與在地生活。本作為描繪屏東東港的水墨作品，藝術家以緊湊而繁複的構圖，營造港口繁忙的氛圍。畫面中桅杆林立，漁船密集停泊於港灣，部分船身微微傾斜、船影交錯，暗示海面上正有輕柔風浪流動。 直立的桅杆與背景中方正的建築量體相互呼應，使畫面結構更顯穩定。鄭勝揚透過描繪波光閃爍的海面與擺盪的船隻，為原本靜止的港景注入節奏感。在細節表現上，他展現對光線與材質的精準掌握，無論是船身歷經歲月侵蝕的鏽痕，或海面映照晨光的倒影，皆描繪入微，將熟悉的漁港風景轉化為富有詩意的畫面。

《東港情》

Zheng Sheng-Yang, who was born in Wandan, Pingtung, initially excelled in ink painting, and his works often drew inspiration from the fishing port scenery and local life of his hometown. This work is an ink painting depicting Donggang, Pingtung County. The artist uses a compact but complex composition to create the bustling atmosphere of the port. The scene shows a forest of masts and fishing boats moored closely together in the harbor. Some of the boats are slightly tilted and their shadows intertwine, suggesting that there are gentle waves flowing on the sea. The upright masts echo the geometric blocks of buildings in the background, making the composition appear more stable. Zheng Sheng-Yang infuses the otherwise static harbor scene with a sense of rhythm by depicting the shimmering sea and swaying boats. In terms of detail, he demonstrates a precise grasp of light and materials, depicting everything from the rust marks on the timeworn hulls to the reflections of the morning light on the sea surface, thus transforming the familiar fishing port scenery into a poetic picture.

Donggang Sentiments

藝術家：周珠旺 周珠旺為屏東出身的藝術家，擅長以寫實油畫描繪海岸沙石。本作取景自屏東墾丁貓鼻頭，以俯視視角捕捉當地的海岸風光。 畫面以近景礁石、中景寬廣海面與遠景的天際線層層鋪陳，構成簡潔而富節奏感的構圖。周珠旺運用純熟的寫實技法，細緻描寫岸邊礁石，精準呈現珊瑚礁海岸特有的侵蝕地形。右下角向外延伸的礁石尖端，巧妙成為視覺引導，引領觀者目光由近景推向遠方的海面，而海天交會的水平線，則暗示海洋的寬廣深遠。 全作以藍、黑色調為基底，透過豐富的深淺層次塑造空間感，並以岸邊輕濺的白色浪花與角落點綴的草叢，為靜謐深沉的畫面注入生氣。

《貓鼻頭寫生》

Chou Chu-Wang is an artist from Pingtung who specializes in realistic oil paintings of coastal sand and rocks. This work captures the local scenery of Maobitou in Kenting, Pingtung County from an overhead perspective. The composition is simple yet rhythmic, with layers of reefs in the foreground, the expansive sea in the middle ground, and the distant horizon. Chou Chu-Wang uses his accomplished techniques of realism to meticulously depict the coastal reefs, particularly their unique erosion topography. The pointed tip of the reef extending outward in the lower right corner cleverly serves as a visual guide, leading the viewer’s gaze from the foreground to the distant sea, while the horizon where the sea and sky meet suggests the vastness and depth of the ocean. The entire work uses blue and black tones as a base, creating a sense of space through rich layers of light and dark, and injecting life into the tranquil and profound scene with the white waves splashing on the shore and the grass adorning the corners.

Maobitou, Painted from Life

藝術家：莊文瑞 莊文瑞出生於屏東里港，曾從事教職二十多年，之後專注於水墨創作。本幅以彩墨描繪屏東車城獨特的地景「海口沙漠」，展現南臺灣少見的荒漠景觀。畫面中，藝術家以黃褐色層層暈染出廣闊沙地，使畫面上方獨行的人物更顯渺小。下半部則可見大片黑墨，右側幾株樹木以細筆勾勒，枝葉微微向左傾斜，搭配畫面中密布的墨點，共同營造出風吹沙起的動態意象。畫面上方刻意保留的大面積留白，不僅呼應天地的遼闊，也為觀者留下想像空間。大面積的色彩暈染與簡約的構圖表現，將具象景物轉化為抽象意境，散發出荒野遼遠而蒼茫的氣韻，呈現藝術家對自然景觀的深層感受。

《憶海口沙漠》

Chuang Wen-Jui was born in Ligang, Pingtung. He worked as a teacher for over twenty years before focusing on ink painting. This painting uses color ink to depict the unique landscape of “Haikou Desert” in Checheng, Pingtung, showcasing a desert landscape rarely seen in southern Taiwan. In this painting, the artist uses layers of yellowish-brown to depict a vast sandy area, making the lone figure walking in the upper part of the composition appear even smaller. The lower half features large areas of black ink, with several trees on the right outlined in fine strokes, their branches and leaves leaning slightly to the left. Together with the dense ink dots in the painting, they create a dynamic image of wind blowing sand. The large area of blank space deliberately left at the top of the image not only echoes the vastness of the sky and earth, but also leaves room for the viewer’s imagination. The extensive use of color washes and the minimalist composition transform figurative scenes into abstract imagery, exuding a vast and desolate atmosphere and revealing the artist’s deep feelings about the natural landscape.

Memories of Haikou Desert

藝術家：黃壬來 黃壬來長期投入美術教育，並參與編撰兒童美勞教材，是國內藝術教育的重要推手。本幅油畫作品描繪屏東墾丁龍磐公園的傍晚景致。畫面採俯視視角，遼闊的草原占據視覺重心，上方三分之一留給海洋、遠山與天際，構成開闊而穩定的畫面。 黃壬來以層疊的綠、黃、橘、藍與黑色調，細膩表現植被與地形變化；在柔和的色彩基調中，仍可見快速而有節奏的筆觸，描寫風吹草動的流動感。而暖黃色調的加入，突顯夕陽餘暉灑落於紅土地表的溫潤質感，為畫面增添柔和光感。遠方的海天一線以細緻漸層色彩表現，精準捕捉夕陽西下時天空殘留的微光，營造出寧靜而悠遠的氛圍。

《龍磐暮色》

Huang Ren-Lai has long been dedicated to art education and participated in compiling children’s art and craft textbooks, making him a key figure in promoting art education in Taiwan. This oil painting depicts the evening scenery of Longpan Park in Kenting, Pingtung. The painting adopts a bird’s-eye view, with the vast grassland occupying the visual center, while the upper third is left to the ocean, distant mountains, and the horizon, creating a broad and stable composition. Huang Ren-Lai uses layered shades of green, yellow, orange, blue, and black to delicately depict the changes in vegetation and terrain. Within this palette of soft colors, rapid and rhythmic brushstrokes capture the fluidity of wind rustling through the grass. The addition of warm yellow tones highlights the gentle texture of the setting sun’s rays falling on the red earth, adding a soft glow to the painting. The distant horizon, where the sea meets the sky, is rendered with subtle gradients of color, accurately capturing the lingering light of the setting sun and creating a tranquil and timeless atmosphere.

Longpan at Dusk

藝術家：楊造化 本作描繪屏東三地門的山城風景。楊造化以遠眺視角，將群山環抱下的三地門大橋與蜿蜒公路納入畫面，呈現人文與自然交織的地景樣貌。 楊造化出生於日治時期的屏東，曾赴日本東京學習繪畫，返臺後從事教職，作品多次入選府展與全省美展，是南臺灣重要的油畫家之一。本作為他旅居日本期間，返臺重訪舊地所繪的寫生創作。畫面下半部以豪邁粗放的筆觸描繪公路、橋樑與樹木，構成前景重心，並與中景的聚落屋舍以及遠景層疊的高山形成清楚層次。交錯的山稜線拉開畫面的空間深度，深淺變化的色彩與明亮色調的點綴，則展現出陽光照耀下蓊鬱而充滿活力的三地門夏日景象。

《山地門》

This work depicts the mountain scenery of Sandimen in Pingtung. Yang Zao-Hua uses a distant perspective to include the Sandimen Bridge and a winding road surrounded by mountains, presenting a landscape where human culture and nature intertwine. Yang Zao-Hua was born in Pingtung during the period of Japanese rule. He studied painting in Tokyo, Japan. After returning to Taiwan, he worked as a teacher. His works were selected for the provincial and municipal art exhibitions many times. He was one of the important oil painters in southern Taiwan. This work is a sketch created during a return visit to Taiwan while he was still living in Japan. The lower half of the painting depicts the road, a bridge, and several trees with bold and unrestrained brushstrokes. These features form the focal points of the foreground, and create a distinct layer in addition to the settlement and houses in the middle ground and the layered mountains in the distance. The overlapping mountain ridges create spatial depth in the picture, while the varying shades of color and the bright accents showcase the lush and vibrant summer scene of Sandimen under the sunlight.

Sandimen

藝術家：李明則 這件作品是李明則創作於2001年屏東半島藝術季，以墾丁大尖山的壯麗景致為主題。不同於傳統寫生，他透過實地踏查，將實景轉化為近似中國古代方志輿圖的表現方式。畫面運用留白與黑白線條，打破傳統透視，使人物與景物彷彿游移於同一平面，呈現獨特的空間感。筆法融合文人山水畫的皴、點、染技巧，並結合臺灣漫畫的線條筆觸。透過反覆堆疊不同粗細、深淺的墨線，細膩表現山石與樹木肌理，淡墨暈染則形塑立體感。 整件作品以傳統山水符號描繪在地景色，營造錯置趣味，這種對於傳統形式的挪用與在地語彙的揉合，深刻映照出臺灣複雜而多元的文化主體性。

《墾丁地標大尖山》

This work was created by Lee Ming-Tse for the 2001 Pingtung Peninsula Art Festival, and it took the magnificent scenery of Kenting’s Mount Dajian as its theme. Instead of the traditional “sketching from life,” he used on-site investigation to transform the scenery into a representation similar to that of ancient Chinese local maps. The artwork makes use of blank spaces and black-and-white lines to break with traditional perspective, making the figures and scenery appear to float on the same plane and presenting a unique sense of space. The brushwork blends the texturing, dotting, and washing techniques of literati landscape painting with the linear strokes of Taiwanese comics. Through repeated layering of ink lines of varying thickness and shade, the texture of rocks and trees is delicately expressed, while light ink washes create a sense of three-dimensionality. The entire work uses traditional landscape symbols to depict the local scenery, creating a sense of juxtaposition. This appropriation of traditional forms and fusion with local vocabulary profoundly reflects the complex and diverse cultural subjectivity of Taiwan.

Mount Dajian, a Kenting Landmark

​藝術家：李俊賢 李俊賢出生台南麻豆，不僅投身藝術創作，在策展、評論等方面都有相當影響力，曾任高雄市立美術館館長。他的作品洋溢臺灣本土情懷，透過臺語音韻的視覺化及爽快的筆觸描繪臺灣地景。本作描繪屏東墾丁知名的海岸地景，以船帆石為主體，採對稱穩定的構圖，在岩石厚重的肌理上，疊加白色細碎筆觸，表現海浪打在岩石上的動態感。搭配上方頗具草莽與野性的文字符號，形塑出氣勢磅礡的視覺張力。船帆石上方的「旁」字，源自帆船「帆」的臺語讀音「phâng」；而包圍文字的圓框則運用李俊賢慣用的「hue」線條技法，hue是臺語中「甩」的意思，筆觸宛若棒球投球般充滿力道，形成有力卻流動的特質。​

《船帆石》

Lee Chun-Hsien was born in Madou, Tainan. He not only devoted himself to artistic creation, but also had considerable influence in curating and criticism. He once served as the director of the Kaohsiung Museum of Fine Arts. His works are imbued with a deep love for Taiwan, depicting the Taiwanese landscape through visualizations of Taiwanese dialect and brisk brushstrokes. This work depicts the famous coastal landscape of Kenting, Pingtung, with Sail Rock as the main subject. It adopts a symmetrical and stable composition, and fine white brushstrokes are superimposed on the heavy texture of the rocks to express the dynamic feeling of waves hitting the rocks. The combination of the landscape with the rugged, wild-looking character above creates a powerful visual tension. The character pang above the sail stone is derived from the Taiwanese pronunciation of “sail,” which is phâng. The circular frame surrounding the character uses Lee Chun-Hsien’s signature hue line technique. The word hue means “to throw” in Taiwanese, and the strokes are powerful, like a baseball pitch, creating a strong yet fluid quality.

Sail Rock

​藝術家：陳國展 陳國展出生於屏東，在臺灣版畫界具有重要代表性。《釣夕陽》描繪的是夕陽時分，釣客聚集於船帆石周邊垂釣的景象。構圖以畫面中央聳立的船帆石為主體，與旁邊渺小的釣客形成強烈對比，凸顯自然的壯闊氣勢。藝術家陳國展的筆觸樸實，以大塊顏料堆疊出岩體的量感與結構；細膩描繪人物垂釣時的動作與專注神情，為畫面添了生動的趣味。 這件作品最獨特之處在於藝術家對色彩的運用。天空被夕陽染成熾熱的橘紅色，船帆石在海面與光線的交互影響下呈現藍紫色，岸邊更增添幾許紅色調。對比色彩強化了黃昏時刻自然景致的神祕氛圍與視覺張力，也暗示藝術家面對自然的內心感受與體悟。&nbsp;

《釣夕陽》

Chen Kuo-Chan, who was born in Pingtung, is highly representative of the Taiwanese printmaking world. Fishing for Sunset depicts the scene of anglers gathering around Sail Rock to fish at sunset. The composition centers on the towering Sail Rock in the middle of the painting, creating a striking contrast with the tiny anglers beside it and highlighting the nature’s grandeur. Chen Kuo-Chan’s brushstrokes are simple, and he uses large blocks of paint to create the volume and structure of the rock; he delicately depicts the figures’ movements and focused expression while fishing, adding a lively touch to the painting. The most distinctive aspect of this work lies in the artist’s use of color. The sky is dyed a fiery orange-red by the setting sun, the Sail Rock appears bluish-purple under the interaction of the sea and light, and the shore is further enhanced with touches of red. The contrasting colors enhance the mysterious atmosphere and visual tension of the natural scenery at dusk, and also suggest the artist’s inner feelings and insights into nature.

Fishing for Sunset

​藝術家：張新丕 檳榔園是屏東鄉間的熟悉景色，此作描繪朝陽乍現而薄霧未散的檳榔園。畫面中央筆直豎立的檳榔樹形成強烈焦點，引導視線向遠方延伸。明亮的用色呈現自然的原始特質與明媚風光，在光影的表現方面，藝術家用輕快且帶有速度感的藍黑色筆觸，模糊了葉片、樹幹與其影子的邊界；紅褐色的土地上，則透出綠色與藍色筆觸，在光線與土地之間，隱約流動著綿長而難以言說的情緒，展現藝術家張新丕對「菁仔園」深刻而獨特的土地記憶。 他重新觀看檳榔在臺灣土地上所承載的多重角色——既是經濟作物，也是地方景觀與土地記憶，並由此發展出新的視覺意象與符號意義的探索。​

《菁仔園的光照一》

Betel nut farms are a familiar sight in the rural areas of Pingtung. This work depicts a betel nut plantation at sunrise, with the thin mist still lingering. The straight betel palm tree standing in the center of the picture forms a strong focal point, guiding the eye into the far distance. The bright colors present an original quality of the scenery. In terms of the expression of light and shadow, the artist uses fast, light blue-black brushstrokes to blur the boundaries among the leaves, tree trunks, and their shadows. On the reddish-brown earth, green and blue brushstrokes emerge, and between the rays of light and the land flows an extended, indescribable emotion. The painting expresses artist Chang Sin-Pi’s unique, profound memory of the land of betel nut farms. He reexamined the multiple roles that betel nuts have played on Taiwan’s land—as an economic crop, as well as a local landscape and a part of the land’s memory—and developed new visual images and symbolic meanings from this.

Daylight in Betel Nut Farm I

​藝術家：姚孟嘉 ​這張攝影作品由漢聲雜誌社社長姚孟嘉拍攝於1989年，以略帶俯視角度的鏡頭，完整記錄了圍龍屋的建築結構。圍龍屋是客家典型的傳統住屋，由條形的護龍，築成一至多重的半圓形。這座位於內埔鄉和興村曾家宅邸，可能是全台唯一完整的圍龍屋。 走進大門，可見多幢房屋以圓弧狀圍向大門，裡外共三層，如波浪般圍繞著位居中央的祖廳。越靠近中心的橫屋，所住的輩分就越大，體現客家人長幼有序的精神。房屋周邊有濃密的檳榔林與低矮的樹叢、溝道，讓人不易穿越，大門是防禦性的隘門，其上有可放置槍砲的孔洞，反映出客家人的原鄉先民以防禦作為住屋的主要功能。​ 英文漢聲出版股份有限公司授權​

《屏東內埔圍龍屋》

This photograph, taken in 1989 by Yao Meng-Chia, then the president of Hansheng Magazine, captures the complete architectural structure of a Hakka weilong house from a slightly overhead angle. Weilong houses are a typical form of traditional Hakka dwelling , built from elongated side wings that form one or more concentric semicircles. The Tseng family residence in Hexing Village, Neipu Township, is possibly the only complete weilong house in Taiwan. Upon entering the gate, one sees several housing blocks arranged in an arc around it in three layers that resemble waves emanating from the ancestral hall in the center. The closer to the center of the transverse house, the older the generation of the inhabitant, reflecting the Hakka people’s tradition of respecting elders over younger members of the family. The weilong house is surrounded by a dense betel palm grove, low bushes, and ditches that are difficult to pass through. The main gate is defensive, with holes for placing guns and cannons, reflecting that the Hakka people’s ancestors regarded defense as one of the primary functions of their dwellings.

The Tseng Clan Weilong House in Neipu, Pingtung

藝術家：袁廣鳴 袁廣鳴是臺灣錄像藝術的先鋒，也是活躍於國際的知名新媒體藝術家。這件作品消弭了人類的蹤影，卻保留玩樂痕跡的墾丁南灣海灘。袁廣鳴在同一地點拍攝近百張照片，透過數位刪除、縫合與拼貼的手法，建構出一幅僅剩陽傘、塑膠椅與海灘鞋，卻不見人煙的觀光海灘影像。乍看鮮豔的洋傘與美景營造出歡愉氛圍；然而遠方從山稜間突出的核能三號發電廠，似乎不斷提醒著潛伏的危險，帶來違和的不安感。 這件作品延續袁廣鳴自2007年以來對於「廢墟」、「家」及「居住」議題的探討，藉由象徵隱喻並結合數位科技媒材的手法，深刻反思當代生活在安逸表象下，所潛藏看不見的威脅與危機。 ​ ​藝術銀行典藏​

《能量的風景－靜態》

Yuan Goang-Ming, a pioneer of video art in Taiwan, is a renowned new media artist active internationally. This work erases the traces of human presence, yet preserves the remnants of play on Nanwan Beach in Kenting. Yuan Goang-Ming took nearly a hundred photographs at the same location and used digital deletion, stitching, and collage techniques to construct an image of a tourist beach where only parasols, plastic chairs, and beach shoes remain, but no human presence is visible. At first glance, the brightly colored parasols and beautiful scenery create a joyful atmosphere; however, the Maanshan Nuclear Power Plant, which juts out from the mountain ridge in the distance, seems to constantly remind the viewer of lurking danger and bring a sense of unease. This work continues Yuan Goang-Ming’s exploration of the themes since 2007 of “ruins,” “family,” and “dwelling.” Through symbolism and metaphor combined with digital technology, it deeply reflects on the unseen threats and crises hidden beneath the comfortable surfaces of contemporary life.

Landscape of Energy - Stillness

歡迎來到「版同造化：陳國展特展」。藝術家陳國展1937年出生於屏東縣竹田鄉，是二戰後南臺灣極具代表性的藝術家與美術教育者。他以蝕刻銅版畫的成就最受矚目，1980至1982年間連續三年獲得省展首獎，取得永久免審查資格，更有「銅版獨步」的美譽。他曾在一段自序中提到，自己「在銅板、硝酸、油墨、水火間沉醉而不能自拔」，並認為銅版畫是一項兼具挑戰與突破的「工程」。這份熱情也延伸至油畫、水彩、素描、立體造形等不同媒材。本展覽從題材、技法層面，規畫成「鏡像藝影」、「多元探索」、「夔線流韻」、「土地心印」、「遊蹤•關懷」、「默契造化」六個展區，希望能讓觀眾對於陳國展其人其藝，有更具脈絡性的整體印象。

總說...

首先，第一展區「鏡像藝影」從自畫像、家人肖像，以及友人為陳國展創作的肖像出發，呈現藝術家如何觀看自己，也如何被他人觀看。版畫印出的圖像與原版左右相反，宛如鏡中影像；陳國展也常以誇張、自我揶揄的方式描繪面容，讓自畫像不只是外貌紀錄，更成為生命狀態的投射。1983至1985年間，面對人生困境，他進一步以擬人、托物寄情的方式創作出「手系列」，把落寞、徬徨與身不由己的感觸化為超現實圖像；藝術家也常描繪陪伴自己多年的白色金龜車來隱喻自己。本區同時呈現陳國展投入版畫教育的相關文物，例如安全易學的紙凹版，以及在校園推廣創作的成果，讓我們看見陳國展身為藝術家和美術教育家的多元形象。

展區一:鏡像藝影

〈房客〉是陳國展早期的蝕刻銅版畫，以變形、半抽象的線性符號構成畫面，隱約可見畢卡索、克利與米羅等西方現代藝術大師的影響。 作品源自藝術家的親身經歷，他曾將舊居低價出租，因信任房客，沒有簽訂契約或收取押金。多年後藝術家打算出售舊房屋換購新居，不料房客卻拒絕搬遷，甚至向陳國展索取高額權利金，雙方周旋數月，最後報警處理才獲得解決。這段令人身心俱疲的糾紛，成為陳國展參加省展時的創作靈感。他將現實中的挫折與壓迫，轉化為作品中扭曲而緊張的造形，最終獲得省展第二名，並被廖修平收入著作《版畫藝術》中，成為陳國展早期創作的重要見證。我們可從扭曲線條中，感受信任破裂後的焦灼與無力。

房客

陳國展的版畫〈自畫像〉前後共有三件，這是其中第一件。1977年，他首次以蝕刻與凹凸多色併用技法，將自己的肖像製作成一張「懸賞通緝令」。畫像下方寫著英文「WANTED」，並以幽默方式描述自己，還標出250萬元的懸賞金。 畫面以歪斜、帶有拙趣的行楷文字作為背景，下方粗厚的「WANTED」則成為重要的造形元素。文字、線條與版畫技法交織，展現獨特的視覺節奏。 這件作品既是自畫像，也像是陳國展與自己開的一個幽默玩笑，呈現他率真、幽默的性格，以及對版畫與書法元素的創新運用。

自畫像

〈操縱〉是陳國展「手系列」的代表作之一，以蝕刻銅版與松香細點完成。畫面中，一雙巨手從幽暗布幔中伸向觀眾，十根手指繫著細線，另一端連接上方扣環，如同被看不見的力量操控的懸絲傀儡；後方橫放的白手套，更暗示支配雙手的主宰者。藝術家細膩刻畫手部，背景則以近似水墨飛白的粗獷筆勢刷掃，形成強烈對比與動勢。 「手系列」創作於1983至1985年間，當時子女陸續離家，家庭進入空巢期；十信金融風暴又使藝術家受朋友投資失利牽連，長年積蓄一夕化為烏有。作品將個人的徬徨、苦悶與失控感，轉化為超現實舞台。眼前的手看似充滿力量，實際上卻身不由己，也讓人思考：究竟是誰在背後牽動我們的選擇與命運？巨手與細線的矛盾，使無形壓力清晰可見。

操縱

第二展區「多元探索」回到陳國展形成個人版畫風格以前的實驗階段。他早年從水彩與油畫入門，也接觸水墨和雕塑；1970年代起，創作重心逐漸轉向版畫，透過觀摩、自學、閱讀相關刊物，並向陳庭詩、廖修平等前輩請益，不斷測試媒材與製作方法。本區可見單刷版、木刻凸版、銅版與鋅版等多種嘗試：有的借用水墨山水的宏觀意象，有的加入燙金、直刻或分塊著色，探索機械、都市與生活題材。直到〈房客〉與〈僵局〉等作品在重要展覽獲獎，他才逐步建立以銅版為核心的創作道路。這些早期作品帶著摸索痕跡，清楚展現藝術家不依賴單一公式、勇於反覆試驗的積極性格，也為日後成熟多變的版畫語言奠定基礎。

展區二： 多元探索

第三展區「夔線流韻」呈現陳國展建立個人版畫風格的重要里程碑。作品線條取材自上古文字、青銅器紋飾、傳統服飾、符號與圖騰，也借鑑米羅、克利、畢卡索等西方現代藝術家的造形趣味，形成抽象或半抽象的象徵語言。藝術家運用西方版畫技法承載華夏文化元素，使文字不再只是閱讀符號，而成為富有節奏的「有意味形式」。1973至1977年間，此類創作最為密集，包括〈房客〉、〈僵局〉、〈古趣〉與〈無〉等；其中也隱含情感、慾望與人生哲理。到了1980年代，線條轉為浪漫童趣；1990年代又朝向點、線、面的純粹造形發展。沿著這些軌跡，我們可以看見陳國展如何在傳統與現代、東方與西方之間，尋找自己的定位。

展區三： 夔線流韻

〈無〉屬於陳國展最早建立個人風格的「線條造形系列」。藝術家以篆書「無」字作為畫面主體，透過二版蝕刻與凹凸併用技法，在文字及背景鋪陳細密線條，交織青銅器紋樣與原住民族圖騰。書法不再只是可閱讀的文字，而被轉化為流動、富有節奏的造形；繁複紋理也使半抽象畫面產生豐富層次。這一時期，陳國展受到國立故宮博物院研究員宋龍飛的啟發，開始深入關注上古文字、青銅器圖紋與不同文化的原始符號，並將它們帶入銅版畫。 作品運用西方現代版畫技法，承載東方文字與文化內涵，在傳統和現代之間建立新的視覺語言。題名「無」，畫面卻充滿線條、符號與肌理，形成有與無、文字與圖像、古老與當代之間耐人尋味的對話。

〈事後〉由四片畫面組成，是陳國展1977年創作的多色套印蝕刻銅版畫，描述「男歡女愛」的情境。在他的創作中，將情慾轉化為造型元素的作品並不少見。 藝術家曾北上到張義雄的畫室學畫，張義雄認為情慾與創造力之間有強烈的關係，這對陳國展頗有啟發，然而，個性內斂溫和的他，沒有採取直白的描寫，而是融合立體派、野獸派與半抽象的象徵手法，表現男女親密關係之後的情境。 上幅畫面中，其中一人背後揚起雙翅，象徵歡愉與釋放；上方橙紅夕陽即將沉入地平線，也提示夜晚到來。作品觸及人類本能，卻透過色彩、符號與造形保持含蓄，使觀看不落入情色，而更接近對情感、慾望及生命能量的探問。

事後

第四展區「土地心印」呈現陳國展如何將屏東生活經驗內化為創作，包含「門神和宮廟」與「竹居」兩大系列。童年住家鄰近屏東慈鳳宮，門神、龍柱、廟會，都成為日後創作中熟悉的視覺語彙。這類畫風大約從1975年的作品〈財神〉開始出現，延續近二十年。他以主觀寫實和擬人手法，刻畫神祇喝茶、爭辯，以幽默圖像回應社會。〈純喫茶〉、〈爭辯〉與〈古剎斜陽〉等作品更使他連續三年獲得省展首獎。 而1980年代的「竹居系列」回望早年住在灰窯仔聚落的生活記憶，以光影描繪老廚房、碾米廠和倉庫。另外，〈同朽〉、〈板車〉與〈菸樓〉等作品，也把古厝、勞動與環境議題帶入畫面，寄託對故鄉的深厚關懷。

展區四：土地心印

〈純喫茶〉以蝕刻、多色凹凸版與絹印併用完成。藝術家幽默地將廟門上的兩位門神擬人化：他們背後繫著斗笠，端起小茶杯對飲，微閉雙眼，彷彿暫時放下職責，沉浸在品茗時光。門楣寫著「茗居」，兩側對聯則道出為名利奔忙的人，也應在勞苦中偷閒喝茶。左下角的紅泥火爐炭火正旺，壺嘴冒出白氣，為莊嚴古樸的廟門增添生活氣息。作品雖採平面構圖，卻藉由線條肌理、明暗對比與古雅色調，營造出厚實層次以及近似水墨的韻味。 此件作品於1980年獲得省展首獎，這是陳國展第一次在省展中奪魁，也是當時屏東縣藝術界第一次有人榮獲省展首獎，因此讓他信心大增，藝術生涯邁入一個嶄新的里程。

純喫茶

〈爭辯〉延續陳國展的門神系列，以蝕刻、多色凹凸版與絹印併用完成，再度蟬聯省展首獎。畫中兩位門神各持法器，以誇張的表情、姿態和手勢激烈爭論。在構圖上，左側前景的高聳圓柱將門神推向中景，營造出景深，展現出藝術家的透視學功力。圓柱上刻著禪宗語句「窮諸玄辯，若一毫置於太虛」，提醒人們即使窮盡辯才與聰明，相對於廣大世界仍如太空中的一根毫毛。這句豁達的佛語，與門神面紅耳赤的模樣形成幽默反差，彷彿在說：人生許多名利得失，其實沒有什麼好爭。頗有借佛理勸世的意味。 陳國展以深腐蝕刻線及松香細點塑造層次，運用凹凸版併用技法，凹處填深藍、凸處滾朱紅，使整個畫面顯得張力十足。

爭辯

〈古剎斜陽〉以蝕刻凹凸併用、松香細點及多色套印完成，讓陳國展第三度蟬聯省展版畫首獎。藝術家從廟宇內殿向外觀看，視線穿過中庭天井與廟門，細膩描繪榫卯結構及夕陽造成的光影變化。近景圓柱上的對聯寫著：「大肚包容了人間多少事，滿腔歡喜笑開天下古今愁。」遠處門神則因逆光而化為朦朧灰暗的輪廓，空間、質感與光線彼此交織，營造靜謐而深沉的氣氛。陳國展童年常在屏東慈鳳宮遊玩，廟宇建築、神像、龍柱、香火與信徒，早已成為熟悉的生活記憶，並逐漸內化為創作語彙。這件作品不只描寫廟宇景觀，更把兒時經驗、建築透視與銅版技巧凝聚在一道斜陽中，展現藝術家在連續獲獎之際仍持續求新突破。

古剎斜陽

1982年，陳國展已經憑著門神與宮廟系列三度獲得省展首獎，取得永久免審查資格，他卻沒有因此停下腳步，而是轉向深藏心底的童年經驗繼續創作。〈堆棧〉屬於他的「竹居系列」，取材自岳父在臺南新營經營的碾米廠庫房，也呼應他幼年長期居住「竹管仔厝」的記憶。竹管仔厝是一種農村家庭的屋舍，以竹子、稻草與泥土搭建而成。畫面中，藝術家從室內仰視，嚴謹刻畫建築材質與結構；幽暗倉庫裡堆滿貨物，一束陽光從開啟的門口射進來，形成強烈而細緻的明暗變化，宛如舞台聚光燈，使寂靜空間浮現生命感。這件作品把克難的居住經驗與家族記憶，轉化為充滿氣氛的視覺經驗，展現陳國展在寫實觀察之外，提煉生活情感的深厚能力。

堆棧

〈出巡〉源自陳國展童年對屏東慈鳳宮媽祖繞境的深刻記憶。作品使用蝕刻、多色套印及凹凸併用技法，透過斜線與邊角構圖，表現隊伍前進、人群聚集的熱鬧動勢。繞境隊伍中，一白一黑、身形一高一矮的七爺八爺成為視覺焦點；左下方信眾捧香膜拜，姿態繁多卻井然有序，顯示畫家經營群像的功力。然而在人群圍出的空地中，有一隻白鴿似乎被鞭炮所傷，顯得痛苦無助，與周遭的人物或其他在啄食的鴿子，形成鮮明對照。藝術家曾為作品註記，反思當人們以敬天祈福、大慈大悲之名參與盛典時，是否看見眼前真正需要關懷的生命？ 此件作品兼具民俗紀錄與關懷生命的寓意，曾獲中國民俗畫大賽特別獎，後來也被收入進國小藝術課本中。

出巡

〈同朽〉是陳國展首次以省展評審委員的身分，示範展出的蝕刻與松香細點銅版畫。本作取材自屏東縣內埔鄉的昌黎祠，藝術家以仰視的視角，壓低地平線，使傳統建築如大廈一般宏偉。廟門口坐著一位年邁婦人，身穿傳統服飾、手持拐杖，若有所思地望向畫外空間，呼應「同朽」的題名。古厝旁堆滿報廢的金龜車、巴士、零件與輪胎，地面車痕交錯；黝黑天空襯托古屋、老人與廢車，瀰漫歲月滄桑之感。 此作題材看似帶有民俗鄉情與古今對話之意，其實也內涵對「環保議題」的省思。藝術家提醒，節能減碳不能只是口號，人造物與自然若缺乏節制，終將共同走向腐朽。

同朽

在第五展區「遊蹤・關懷」，可以發現陳國展將創作題材從故鄉延伸至異地與世界。邁入1990年代，臺灣解嚴後海外旅遊風氣興起，國外文化資訊也更為便捷，促使藝術家踏上旅途。 本區可分為兩大題材：一種是藝術家異地旅遊的所見、所感、所思，他以主觀視角和蒙太奇手法重組空間，如〈我愛巴黎〉、〈飛天〉等作品並非單純寫生，而是記憶、文化與想像交疊的心象地圖。另一種則是以「民胞物與」的心境抒發對社會災難的關懷，例如天安門事件、波斯灣戰爭、臺海危機、口蹄疫、九一一，到2004年的SARS事件，透過寫實、變形、象徵或隱喻等手法，將不安、悲憫與批判藏入畫作中，透過畫筆與社會、歷史對話。

展區五：遊蹤•關懷

〈不確定感〉是一幅單色銅版畫，創作於1996年臺海局勢緊張之際。陳國展沒有直接描繪軍事衝突，而是以帶有超現實意味的人體畫，轉化對時局的不安。 畫面中，背對觀眾側躺的裸女具有飽滿而誇張的弧形臀部，臀部上方立著一顆巨大的蛋。蛋看似暫時平衡，但只要裸女稍微一動，就可能滾落破裂，成為危機一觸即發的隱喻。藝術家還在前景豎起一張小畫，遮住較遠處的裸女頭部，以增加空間層次；畫框上，一隻黑貓慵懶地趴著，讓緊繃氣氛中浮現短暫寧靜，也增添幾許神秘感。裸女造形簡練而嚴謹，肉體彈性表現到位，反映出藝術家赴巴黎大茅廬學院研習人體素描的成果。整體畫面看似平穩、實則隨時可能失衡，藝術家藉此影射自己對時局不安的憂心。

不確定感

2006年所創作的蝕刻銅版畫〈無奈〉，運用許多超現實符號反映藝術家對政治社會的失望與無奈。畫面中，最引人注目的是一顆五官變形的蘋果，它皺著眉、閉著眼睛，鼻子因說謊而變長下垂，令人聯想到《木偶奇遇記》的皮諾丘。在蘋果後方是一個倒三角形，暗指政客倒行逆施，左上方有一隻腹部鼓脹的青蛙，借用臺語「膨風水雞刣無肉」，諷刺政客吹噓，而空中飄盪的氣球則代表選前任意開出的支票。 作品雖充滿批判，但仍保留對社會改變的願望。奇異果切面的線條呈現同心放射狀，寄託上下團結的期待；承托所有物件的基座近似臺灣形狀，上頭爬滿充滿生命力的藤蔓。此作曾獲中國第11屆全國美展優秀作品獎，並曾赴海外展出。

無奈

〈我愛巴黎〉創作於1994年夏天，是陳國展在巴黎研習期間的作品。畫面左側戴白帽的男子腋下夾著速寫冊、揹著畫具，背包上有一方「展」字的印文，顯示這正是藝術家本人。他微微抬頭向前，準備迎向陌生而精彩的城市。擁擠的地鐵出入口、車水馬龍的街道、凱旋門、艾菲爾鐵塔與凡爾賽宮，以及地面的鴿群、天空飛鳥，都被藝術家以蒙太奇的手法匯聚在同一畫面中，雖然是不同地點的景物並置，卻毫不衝突，流暢富有節奏，彷彿旅行中的記憶同時展開。本件作品奔放流暢的筆觸線條，甚至墨韻般的肌理處理，明顯不同於藝術家早期銅版畫的嚴謹細密，反映出藝術家本人當時充滿著放鬆、喜悅、期待的心情。

我愛巴黎

最後一區「默契造化」，聚焦陳國展貫穿一生的自然寫生。除了最具代表性的銅版畫，他以油畫、水彩、素描與速寫觀察山海、城鎮與旅途風景，不僅鍛鍊基本功，也用於教學示範。從早期的水彩作品〈師大校園〉、油畫〈臺北・臺北〉，到中晚期〈港口鳥瞰〉、〈大理街道〉以及〈鵝鑾鼻燈塔〉等，可見他用筆豪健開闊，用色明朗而富有節奏。陳國展尤其擅長處理紫色調，細膩、和諧的紫色調襯托出南臺灣光線特有的亮度與溫度。對陳國展而言，寫生不是被動摹寫自然，而是「心師造化」：從景物中吸收養分，再轉化為內在感受。這些描繪自然景物的作品，使他在嚴謹繁複的蝕刻、磨刮與印製之外，有一個舒緩、轉換心境的空間。

展區六：默契造化

1997年，年逾六十的陳國展踏上二十二天的絲路旅程，行經新疆、帕米爾高原、敦煌、麥積山、蘭州與西安。佛教洞窟、沙漠及馬匹帶來強烈震撼，返臺後，他陸續創作佛像與絲路題材。完成於1998年的〈飛天〉，以銅版蝕刻及松香細點，透過蒙太奇手法匯聚旅途中所見的古老文化元素。藝術家壓低地平線，使立佛與天女顯得宏偉；深邃夜空中隱約有翔龍遨遊，呼應天女飄動的姿態。天女及飛龍的動勢，與靜立如山的大佛、在沙漠中等待的駿馬，形成動與靜、天與地的鮮明對比。這件作品不僅保留旅途帶來的深刻震撼，更將宗教藝術和歷史想像重新組合，彷彿一首多種文化交流的神妙樂章。

飛天

陳國展雖以版畫聞名，但水彩始終是他教學示範與旅行紀錄的重要媒材。2009年元宵節，他前往平溪觀看夜間天燈施放，因而創作了多件以天燈為題的水彩畫作，此件〈瑞登昇揚〉便是其中之一。 夜景對水彩畫畫家格外具有挑戰，陳國展善用透明水彩的特性，表現燈火穿過紙罩的溫暖光線，以及在深色夜空中的明暗變化。無數天燈從近處升起，隨高度與距離逐漸縮小、消逝，看似散亂，實則帶有微妙的脈絡秩序；地面遊客聚集仰望，衣服與身影映照不同程度的燈光，使畫面產生相互呼應的和諧感。 陳國展對人群、空間與光影的節奏感和空間感，掌握得恰如其分，展現他在銅版畫之外，也能以輕盈的水彩捕捉光影氛圍。

瑞登昇揚

創作於2021年的〈落山風的公園〉，呈現陳國展晚年收放自如的油畫風格。畫面可能是從鵝鑾鼻公園的草地眺望取景，描繪東北季風越過中央山脈尾端後急速下沉，直撲恆春半島的「落山風」景觀。近景草木和人物頭髮被強風吹襲，幾乎一致誇張地向左傾斜；天空雲彩與海水也隨氣流翻湧流動。唯獨遠方海平線上，小小三角形的大尖山依然穩定屹立，成為畫面中一股安定的力量。藝術家以高彩度暖色、豪健筆觸與強烈主觀色彩，表現落山風的力度和南臺灣陽光的熱度。創作此畫時，陳國展已高齡八十五歲，不假雕飾的奔放筆觸頗有隨心所欲不踰矩的境界，也展現他對南臺灣風土長久而深厚的情感。

落山風的公園

鵝鑾鼻燈塔位於臺灣最南端，自1927年入選「臺灣新八景」後，便成為國境之南的象徵，曾出現在紙鈔、海報、明信片與藝術作品中。終身生活於屏東的陳國展，對燈塔有不同於觀光客的深厚感受，也曾多次以它入畫。這幅油畫是陳國展77歲時所畫的，採仰視角度描繪，並將地平線降至畫面底部約六分之一處，在遠方大尖山襯托下，21.4公尺高的白色燈塔彷彿如摩天大樓般矗立於綠地和藍天之間，氣勢宏偉。 此件作品也展現出藝術家晚年趨向「大、重、拙」的簡約創作理念，從燈塔結構、質感以及光影變化的處理，可見他收放自如的筆觸，嚴謹而不過度刻畫，讓整體畫面明朗、開闊，相當富有感染力。